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Más allá de la cara: Las 5 decisiones que definen un buen Retrato

«Si quieres hacer un buen retrato, olvida la cámara y empieza a hablar.»

Muchos alumnos llegan a esta clase preguntando por esquemas de iluminación o qué objetivo comprar. Mi respuesta siempre es la misma: eso es lo de menos.

El retrato es el género más difícil porque no depende de ti, depende del otro. En esta sesión, desgranamos las decisiones previas que transforman una simple «foto de carnet» en un retrato con alma.

1. La decisión del Entorno (Contexto vs. Aislamiento)

¿Dónde colocamos al sujeto?

  • El Retrato Ambientado: Al estilo de Arnold Newman. El entorno cuenta quién es la persona (un pintor en su estudio, un músico rodeado de instrumentos). El fondo es información.

  • El Fondo Neutro: Al estilo de Richard Avedon o Platon. Eliminamos todo para que solo quede la expresión. Es más arriesgado porque no hay donde esconderse, pero es más potente.

2. La decisión de la Luz (Dureza vs. Suavidad)

La luz es narrativa.

  • Luz Suave (Ventana norte): Halagadora, sin sombras marcadas. Ideal para belleza o transmitir calma.

  • Luz Dura (Sol directo o flash): Dramática, marca las arrugas y el carácter. Ideal para retratos con fuerza, pero cuidado: puede ser cruel.

3. La decisión del Vestuario (Atrezzo)

A menudo ignoramos la ropa, pero ocupa el 80% de la foto.

  • Un cuello alto negro centra la atención en la cara (como Steve Jobs).

  • Una ropa estampada puede distraer y arruinar la foto.

  • Consejo: Pide al modelo que traiga varias opciones y elige tú la que menos compita con su rostro.

4. La decisión Óptica (Distancia y Deformación)
  • Angular (24-35mm): Te obliga a acercarte mucho. Crea intimidad pero deforma la nariz. Es agresivo y real.

  • Teleobjetivo (85-135mm): Te aleja. Aplana las facciones y embellece. Es cómodo para el modelo tímido porque no invades su espacio vital.

5. La decisión Psicológica (La más importante)
  • El retrato es una mentira pactada. El modelo siempre intenta poner su «cara de foto» (la máscara).

    • Tu trabajo como fotógrafo es derribar esa máscara.

    • Háblale, provócale, cancsa al modelo si hace falta (como hacía Avedon) hasta que se olvide de la cámara y te regale un segundo de verdad.

Conclusión: Empatía antes que técnica

Puedes tener la mejor luz del mundo, pero si el modelo está incómodo, la foto no sirve. Tu herramienta principal no es el flash, es tu capacidad de conectar.

Gustavo Bravo (foto: Jeosm)

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